¿Y mis Damas de Shanghái? Una chinería. Así es como de común se traduce el término francés chinoiserie (aparecido por primera vez en una novela de Balzac en 1836), que nombra al estilo artístico basado en la imitación de las artes de China y del este asiático en general. Aparecido en el siglo XVI, tuvo su apogeo en los siglos siguientes, al incrementarse el comercio con oriente. De pronto proliferaron por toda Europa pabellones chinos, jardines y pagodas. Asociado con el rococó, fue cultivado por François Boucher, Jean-BaptistePillement, Jean-AntoineWatteau e infinidad de otros artistas y artesanos. Plagado de estereotipos y preconceptos occidentales, se manifestó en la pintura, la cerámica, los empapelados y la arquitectura.

Mi chinería surge de la seducción ejercida por unas imágenes encontradas en internet: unos retratos luminosos, pintados con un realismo ingenuo. Icónicas figuras de sonrientes jóvenes orientales, con peinados occidentales de entreguerras, ataviadas con coloridos y entallados qipaos y rodeadas de flores.
Habitualmente la atracción ejercida por algunas imágenes es lo que me lleva a dibujar y pintar, tomándolas como referenciay, a veces, también a embarcarme en algo así como una investigación (la palabra excede con mucho la tarea, pero es válida). Esta investigación no antecede a las obras, sino que transcurre en forma paralela.
Este relato no trata puntualmente sobre mis pinturas, sino sobre las imágenes que las motivaron, de aquello que fui indagando mientras pintaba mis cuadros. Lo que me atrajo de esos yuefenpai, aún antes de conocer su historia, fue su colorido y su exotismo kitsch. Su ambigua oscilación entre bellas imágenes tangibles y a la vez claramente ilusorias. Su carácter híbrido, de montaje, incluso en los cuerpos y, porque no, los “errores” en las proporciones o en las perspectivas.

Los primeros yuefenpai que vi fueron la puerta de entrada a todo un mundo de imágenes y de historias, en el que me fui sumergiendo y con el que fui reaccionando con mis propias pinturas. Historias que exceden este texto, como la introducción de la litografía en China, las obras de las pintoras modernas chinas en estilo occidental o el destino de muchas damas de Shanghái como mujeres de confort del ejército japonés.
Damas de Shanghái, esta reunión de grandes pinturas, de retratos dibujados y de pinturas de jarrones y urnas funerarias, tiene la intención de serun homenaje a los artistas que me influenciaron y, por sobre todo, a las mujeres. A las de Shanghái de entonces y a las actuales.

Curador: Daniel García

Inauguración: 23/10/18 – 19:30

Lugar: Espacio de Arte de la Fundación OSDE

Estanislao Mijalichén nació en Rosario, en 1930, y murió tempranamente en Buenos Aires, en 1972. Desde 1952 inició una labor como autodidacta hasta que, en 1962, ingresó al Taller de Juan Grela donde estudió pintura y grabado. A partir de 1966 se dedicó a la enseñanza en el Taller Diez 43. Junto a Juan Grela, Osvaldo Boglione, Omar Gavagnin, Guillermo Fernández de Gamboa, Aid Herrera, Susana Semino y María Suardi, conformó el Centro del Grabado Rosario dedicado a la difusión de esta técnica a través de cursos, exposiciones y ediciones de carpetas gráficas.

Sobre la muestra
En 1967, participó de Pintura Actual Rosario. Obras de la Colección Dr. Isidoro Slullitel, en el Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino” y en 1970, realizó exposiciones retrospectivas en las galerías OVEARTE y Studio.
Esta nueva exposición que tiene como título Eclipse–palabra utilizada por el artista para designar a una representativa pintura de 1969– se propone volver a poner el foco sobre una de las excepcionalidades del arte rosarino de la segunda mitad del siglo XX. Un creador cuya obra, tal como intenta expresarlo el título elegido, ha permanecido largamente en un cono de sombra.
Mijalichén sintió una particular identificación con los expresionistas y los artistas del este de Europa como Chagall, con sus temas populares y su interés por las culturas no occidentales.
El conjunto de pinturas elaborados en esas claves de estilo, permitirá reanudar el diálogo con nuevos sectores de público y particularmente con las sensibilidades contemporáneas. Al mismo tiempo, este cuerpo de obra producido durante el corto lapso comprendido entre 1962 y 1972, también permitirá dotar de visibilidad a uno de los artistas más originales que emergió del taller de Juan Grela y, sin lugar a dudas, uno de los más singulares en la historia del arte de la ciudad.

Curador
Guillermo Augusto Fantoni es Doctor en Humanidades y Artes con mención en Historia, miembro de la Carrera del Investigador Científico del Consejo de Investigaciones de la Universidad Nacional de Rosario y profesor titular de Arte Argentino en la Facultad de Humanidades y Artes de la UNR. Dirige el Centro de Investigaciones del Arte Argentino y Latinoamericano en la misma casa de estudios y tiene a su cargo la edición de la revista Separata. Es autor de varios libros así como de numerosos artículos y ensayos publicados en volúmenes y revistas especializadas del país y el exterior.

Curador: Guillermo Fantoni

Inauguración: 23/10/18 – 19:30

Lugar: Espacio de Arte de la Fundación OSDE

La exposición intenta redescubrir un Spilimbergo desde dos miradas, una biográfica y otra visual. El detrás de un hombre que creó el Sindicato de Artistas Plásticos exclusivamente para ayudar a los artistas, que obtuvo todos los Premios de los Salones Nacionales y Provinciales, y que dedicó una gran parte de su vida a la docencia, desde Leopoldo Presas hasta Carlos Alonso, pasando por Miguel Ángel Vidal, Bruno Venier, o Miguel Dávila, fueron formados con sus clases magistrales de “Composición” y “Color” aprendidas en París. Como artista todos lo conocemos, solo nos queda admirar su arte.

Curador: Leonardo Enea Spilimbergo

Sobre Lino Enea Spilimbergo. Nace en Buenos Aires en 1896. Ingresa en la Academia Nacional de Bellas Artes en 1915 y la finaliza en 1917obteniendo el Título de “Profesor Nacional de Dibujo”.Su paso por la Academia es fugaz y brillante, los seis años de duración de la misma los formaliza en sólo tres. Después de sus clases en la Academia, con varios compañeros concurren a un galpón que alquilan para trabajar y perfeccionar el dibujo de la figura humana.
Obtiene el Primer Premio al Grabado del Salón Nacional en 1922,el Tercer Premio Nacional de Pintura del Salón Nacional en 1923, y el Premio Único al Mejor Conjunto del Salón Nacional en 1925.Con estos resonantes triunfos, adquiere un gran prestigio en el medio artístico de Buenos Aires. Contrariamente a tener un camino asegurado y promisorio, decide dejar todo y viajar a Europa para continuar con su formación.
Llega a Italia como un artista Académico. Consagra su tiempo a estudiar, y se apropia de las formas estructurales de los italianos de los siglos XIV y XV. Luego pasa a Francia y se instala en París. Asiste a la Academia de la “Grande Chaumière” , y al Atelier de André Lhote . Obtiene el Primer Premio Adquisición de Pintura del IV Salón Anual de Santa Fe, en 1927.
Regresa a Buenos Aires en 1928, y pasa de ser un artista Académico reconocido a ser un artista Moderno resistido. Poco a poco introduce su nuevo Lenguaje. Obtiene el Primer Premio de Pintura en el XI Salón de Rosario en 1929, y el Primer Premio Nacional de Pintura del Salón Nacional en 1933.Llega su consagración a los 37 años, y con ella, la fortuna de poder vivir definitivamente de su arte. Obtiene el Primer Premio al Conjunto en el XX Salón de Acuarelistas, Pastelistas y Grabadores en 1934, el Premio Adquisición de Pintura de la Comisión Nacional de Cultura, y el Premio del Salón de Acuarelistas en 1936, el Gran Premio de Pintura y la Medalla de Oro al Grabado en la Exposición Internacional de París, y el Gran Premio Nacional de Pintura del Salón Nacional en 1937, el Primer Premio Municipal del Salón Municipal de Buenos Aires en 1939, el Primer Premio Municipal del Salón Municipal de Buenos Aires en 1943, y el Primer Premio Adquisición en 1944.Es nombrado Académico de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes en 1956, se instala definitivamente en Paris en 1960.

Sobre Leonardo Enea Spilimbergo. Arquitecto argentino con gran trayectoria en la investigación, diseño y montaje de muestras vinculadas con su abuelo, el artista Lino Enea Spilimbergo. Entre sus intervenciones más destacadas se pueden mencionar la producción Buenos Aires 1910: Memoria del Porvenir (1998), que monta en el Shopping Abasto de Buenos Aires, en el U.S. Department of State y en el World Bank en Washington en 1999, en el World Financial Center en Nueva York y en Casa FOA en el Museo de los Inmigrantes en el año 2000; organiza y realiza investigación, diseño y montaje de las muestras Spilimbergo y sus discípulos (2002 – Buenos Aires Design de Recoleta); Lino Enea Spilimbergo (2005), y en 2006 Spilimbergo dibujos 1916 – 1952, Spilimbergo y Pardo – Maestro y discípulo, un mismo lugar: Tucumán y, finalmente, Spilimbergo dibujante, obra sobre papel 1918 – 1964 (2017), en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires.
Como arquitecto obtiene en 2009 el Primer Premio de Arquitectura y color en la Bienal Internacional de arquitectura en Buenos Aires, por la obra Central Park de Barracas, con murales del artista Pérez Celis en las cuatro fachadas.

Apertura: martes 03 de julio – 19:30
Cierre: domingo 02 de setiembre
Lugar: Espacio Arte Fundación OSDE

En el marco del espacio Retrospectivas Contemporáneas se presenta el Ciclo de Muestras Individuales. En este contexto se presentará la muestra “Momentos” de la artista Georgina Ricci.

Tenemos la obligación de hacer otra lectura de la historia. Debemos saber que hay que salir a reconstruir la historia, a desconfiar de los panteones de manual. Hay que construir la historia desde la subjetividad.
¿Cuál es el fracaso de las vanguardias? ¿Qué regla utilizamos para mediarlo? ¿El de ellas? ¿El de sus enemigos? Creo apasionadamente en el éxito de la vanguardia: a mí me ha salvado la vida. Me ha posibilitado construirme anómalamente fuera de las necesidades del mercado, de mi familia, de mis amigos, de las instituciones. No lo digo que soy un sujeto libre, digo, que a veces tengo herramientas para desconfiar, para creer en el motor de la libido.
¿Por qué creer que la vida y el arte se desconectaron? ¿Cuándo fue que construimos la fábula de la conexión? Entendiendo el arte como lo entendemos, ¿en qué momento se tensionaron los vínculos?
El arte es un territorio donde casi todo es posible. No tiene que ver ya con el grafito, ni con los títulos, ni con los talleres. Llamemos arte a ese modo de permitirnos pensar con imágenes.
Creo que las imágenes piensan. Los invito a encararlas, a tenerles paciencia, a ser sensibles, a mirar las anomalías. No tengo moralejas, solo uso un fibrón fluorescente para que intentemos hacer algo con estas imágenes, de las que me siento solamente una lupa, un dedo que acompaña la lectura de un renglón difícil.

Georgina Ricchi (Rosario 1981) Trabaja en el campo de las imágenes y las palabras, sin respeto disciplinar, desde el año 2001. Junto a su práctica artística y editorial, se desarrolla también en el ámbito de la gestión, la docencia y la curaduría. Vive y trabaja en Rosario.

Curadora: Marisa Appendino
Inauguración: miércoles 25 de octubre – 19:30
Lugar: Espacio Arte Fundación OSDE

En el marco del espacio Retrospectivas Contemporáneas se presenta el Ciclo de Muestras Individuales. En este contexto se presentará la muestra “Correr para atrás” de Mimí Laquidara.

Se estira para ver, espía por una perforación anómala a través de un frontón, no hay pelota ni raqueta, se agacha, esquiva obstáculos, inventa un juego, atraviesa un espacio. Entre estos movimientos, mirar puede ser una de las formas del destierro o del errar. Cuando se está en la frontera del interior y el exterior, se mezclan las cosas del arte con las del mundo: ellas se suceden, se devoran (− ¿hay contradicciones?) Este es, repentinamente, un modo del andar mientras se recolectan marcas. Las cosas y los recorridos son observados desde la perspectiva de alguien que va mirando el piso, alguien que sitúan un punto de vista, una altura de la mirada como de quien está buscando algo. Espigadoras y espigadores. Las actividades son variadas: caminar mirando el piso, recoger marcas del espacio o, incluso, dejar señales en un lugar. Inventar estas marcas es algo que aparece como una práctica, hace de aquella mirada y aquel andar una topografía, o tal vez una poética.
Existe la acción de espigar en lo urbano o en cualquier lugar o circunstancia, porque lo que interesa es la actividad de recoger algo que está abandonado, inadvertido, casi desechado y recolectarlo. A esta acción le sigue otra: el reencuentro con las cosas. Lo que se pone en juego es el uso y su nombre. El impulso de usar las cosas luego de reencontrarlas se transforma en un interrogante contante. El nombrar se desplaza por un terreno resbaladizo y las imágenes se constituyen desde la adecuación o tensión del lenguaje con aquello que recolecta: esculturas con fotografías, objetos con dibujos, juegos con murales, volúmenes rígidos con moldes efímeros. Inevitablemente los lenguajes se metamorfosean y se suceden. La sala no es sólo un contenedor de obras, sino un espacio que se transforma en un punto de vista desde el cual mirar, un sitio donde se muestra algo que era visible pero oculto, un intersticio entre el adentro y el afuera que reconfigura el andar. Entonces mira, salta, se agacha, esquiva obstáculos, se asoma por una perforación anómala, recoge un papel, mira para atrás, se refleja entre el brillo, corre, camina, vuelve a mirar, lee, cuenta postes, sigue caminando, corre para atrás, no descansa… sigue buscando algo en el piso.

Curadora: Marisa Appendino
Inauguración: 23 de agosto – 19:30
Lugar: Espacio Arte Fundación OSDE

Siguiendo con lo que podríamos llamar una tradición de las artes en la ciudad de Rosario, la cohesión del grupo de artistas que conforman esta muestra está dada por compartir un pasado común, afectos, estudios, antes que por el modo de resolver los desafíos artísticos. A partir del fragmento de un texto del catálogo de 2014 del artista Ruperto Fernández Bonina, y con la aprobación de todo el grupo (Marcelo Castaño, Ruperto Fernández Bonina, Guillermo Forchino, Mario Alberto Laus y María Alicia Vicari), surge el título de esta muestra: “La mirada negada”.

En un contexto situado geográficamente, pero sin especificación temporal, impregnado de violencia e inseguridad, la frase sostiene un sentido paradojal: por un lado refiere a los que no quieren ver y por el otro, a la imposibilidad de ver cuando el poder lo impide. Desde ese modo “la mirada negada” es apelativa, irrumpe el diario transcurrir, denuncia tanto una voluntad de ceguera como una imposición cegadora.

Instaurada sobre una estética modal, el cuerpo cobra protagonismo: el dolor inmerecido, la soledad del abandono, la vejez desatendida, el encierro injusto, la tortura, la muerte invisibilizada, la desaparición, se presentan como dinámicas de poder, injusticias aplicadas sobre el cuerpo de otro que no puede ser visto, temido, como el rostro, con “mirada implicativa”, de la cabeza de la Gorgona que hace piedra a quien la mira de frente. La negación es exclusión (como en el cuadrado lógico de Aristóteles) y la mirada no aparece como una metáfora del ver sino como una cuestión del conocer, de tener en cuenta, de hacer pasar lo anodino por lo relevante. Bajo una tríada cromática dominada por el blanco, rojo y negro (recursos filogenéticos del dramatismo y del peligro inquietante), cada artista trabaja desde ópticas y dinámicas personales, con una tensión de la cuerda que conecta a la obra con la realidad de manera diversa: desde el cuerpo ausente, el cuerpo visto, al concepto poético del cuerpo. Con recursos expresivos también sincréticos: la instalación, la fotografía, el dibujo, la pintura, la escultura o el video. Una polifonía visual y sonora que conmueve – actual, perenne – y que merece ser recorrida.

Ficha Técnica

Nombre: “La mirada negada

Curador: Edgardo Donoso. Licenciado en Bellas Artes, profesor de Semiótica y Método de la Investigación en la carrera de Bellas Artes, Facultad de Humanidades y Artes de la UND. Investigador en el Departamento de Investigación de la FHyA de la UNR. Ha participado como artista en muestras colectivas e individuales. Ha publicado textos críticos y artículos académicos en diferentes medios. Referato en congresos y publicaciones científicas nacionales e internacionales, entre otras labores de reconocimiento tanto nacional como internacional.

Inauguración: martes 15 de agosto – 19:30

Cierre: domingo 15 de octubre

Lugar: Espacio Arte Fundación OSDE

Segunda muestra dentro del proyecto curatorial Retrospectivas Contemporáneas a cargo de Clarisa Appendino: “Pinturas de tiempo” de Mariana Matteis.

“La expresión Pintura de tiempo arriesga un error sobre la teoría clásica del arte, o por lo menos una contradicción. Situándola sobre un conjunto de obras Mariana De Matteis que constituyen una retrospectiva, el tiempo (su transcurrir) se transforma en una línea serpenteante en el que los objetos quedan suspendidos en el espacio; y la pintura un campo espacial amplio para la construcción de imágenes flotantes en el tiempo.
El deambular constituye radicalmente la construcción de la imagen de una obra cambiante, escurridiza: la imagen no es una, sino en el modo de acercarse a ellas. Allí nuevamente el espacio es condición del tiempo que tardamos en hacernos de las imágenes. El acercamiento y el alejamiento es el modo en que el dibujo sale a la frágil superficie.”

Retrospectivas contemporáneas propone cuatro muestras individuales. Una misma sala se transforma en el escenario de un encuentro interrogativo, analítico y reflexivo de las obras para la investigación sobre los artistas, las exposiciones y el arte contemporáneo. Abordar la retrospectiva en artistas jóvenes significa observar, en la doble acepción del término, el trabajo y la búsqueda realizada hasta ahora por cada uno.
Mariana De Matteis (Villaguay, 1984). Es Licenciada en Bellas Artes (UNR). Atravesó distintas instancias de formación con Rafael Cippolini, Eva Grinstein y Pablo Siquier. Recibió el Premio al artista joven 2014 Fundación Nuevo Banco de Santa Fe; realizó diversas muestras individuales y colectivas en Rosario, Santa Fe, Buenos Aires, Barcelona y Montevideo, entre otras. Vive y trabaja en Rosario desde 2002.

Curadora: Clarisa Appendino
Inauguración: miércoles 7 de junio – 19:30

Lugar: Espacio Arte Fundación OSDE

Obras de Aid Herrara.

Las biografías de Aid Herrera (Puerto General San Martín, 1905 – Rosario, 1993) se inician, de manera recurrente, con una información precisa: los estudios de pintura, dibujo y grabado que realizó con Juan Grela. Que Grela era su esposo no requería de aclaración escrita; que el descubrimiento de la pintura vino de su mano, cuando recién se habían conocido, constituía una narración que ella hacía con placer. Entrelazada entonces con la cotidianeidad de la vida en común y del impulso de las clases de Grela. Aid comenzó a dibujar los objetos que la rodeaban y su universo interior, y, poco después, siguió con la pintura y el grabado. Un hallazgo y un deleite con diferentes cauces, pero el primero e invariable a lo largo de su vida fue el férreo compromiso con la obra y la carrera profesional de Grela: desde esa experiencia, sustanciosa y no exenta de angustias, Aid pudo desplegar otras acciones, ensayar una expresividad propia y forjar una obra sin par.

Sobrevolar la obra de Aid en su conjunto implica acercarse a una producción con variaciones en procedimientos y temas. Indagó las diferentes técnicas -a veces en forma casi simultánea­ para encontrar el mejor modo de aunarlas con sus visiones: Aid fue pintora, dibujante y grabadora. Le dedicó tiempo y atención a la xilografía y al aguafuerte, a los que después de impresos coloreaba y transformaba en «xilo-color» y “aguafuer-color», devenidos en una suerte de sello personal. Cada medio le ofreció alternativas para plasmar su imaginación y a cada uno trató con deferencia, los fue eligiendo según sus necesidades expresivas, de acuerdo a los momentos de su vida y a las dificultades que sobrevinieron. Pero siempre ofreció una visión candorosa del mundo, un candor que, paradójicamente, conjugó sin interferencias con su formación plástica. Y se trate de flores o pájaros, de corazones o estrellas, de ángeles o novias, de plazas o castillos, nada escapa a su modo de ver y sentir. En cada instancia de su obra fue fiel a sus emociones e intuiciones, a sus saberes y frescura, a sus formas y colores, configurando así un repertorio único y maravilloso. También un lugar en la tierra que amerita vivirse.

Curadora: Adriana Armando
Inauguración: martes 25 de abril – 19:30

Lugar: Espacio Arte Fundación OSDE